1本杂志×150年×10000次快门=？

1867年深秋，第一期《时尚芭莎》正式出版。创刊的封面上，写着这样一句话：“A repository of fashion,pleasure,and instruction.”——如今，站在崭新的起点，回望过去150余载，《时尚芭莎》确从未忘记当年的初衷，它所记录的不只是时尚的变迁，更是如它所说，为人们提供了生活的指南与兴味。

在摄影技术日渐普及的百年间，《时尚芭莎》发掘了无数拥有自由创作灵魂的艺术家与摄影师，与之联手，通过镜头这一载体，将时装从冰冷的布料升华为流动的艺术。而时尚摄影亦从最初的记录工具，演变为一种独立的表达形式。

20世纪初，时尚摄影尚未成为一种独立的职业。它更像是时装设计的附属品，仅仅作为记录时装的一种手段而存在。所谓摄影师，唯一的任务就是把衣服拍清楚，尽可能多地展示细节。这种记录无关艺术，无关表达。就像是百货公司的商品目录——僵硬、无趣，只为陈列，连模特的笑容都仿佛量角器量好一般，永恒的45度。

但《时尚芭莎》却透过镜头，看到了影像艺术的另一种可能与魅力。1924年，阿道夫·德·迈耶（Baron Adolph de Meyer），这位摄影界的“德彪西”受邀担任《时尚芭莎》的首席摄影师。在此之前，他已经在时尚行业工作了近10年，但却始终在为摄影做“裁缝的辅助”。直到被芭莎聘用，他才得以在自己的作品中，释放出独特的能量与审美——芭莎给了他前所未有的自我展示的空间，引导他进行一种完全不同于以往公式化摄影的艺术创作。优雅、诗意、戏剧化，德·迈耶的艺术潜能由此被激发。

无论是1925年4月刊中，身着一袭香奈儿白色薄纱裙，笼罩在朦胧的光晕中，仿佛从文艺复兴的画作中走出的模特，抑或是1929年11月刊中，头戴橙色天鹅绒帽子，褶皱看上去像翩飞的蝴蝶的女士，都能看出德·迈耶被鼓励最大限度地发挥创意，像一位独立的创作者那样，通过其所擅长的柔焦技术、细腻光影与考究构图，塑造出仿佛从古典油画中走出的慵懒而不失优雅的形象，先捕捉人物的精神世界，再留给世人回味与想象的空间。

1925年4月刊

1929年11月刊

就这样，在《时尚芭莎》的推动下，摄影师有了自我展现的舞台，摄影蜕变为独立的艺术语言，“记录者”被重塑为“创作者”，影像从刻板冰冷的商业记录升华为一枚又一枚柔软的文化符号——这些也正标志着时尚摄影的职业化开端。

如果说德·迈耶的镜头是一组优雅的静态诗，那么马丁·芒卡西（Martin Munkácsi）的影像则像是一首动态的乐章。1933年，《时尚芭莎》的主编卡梅尔·斯诺（Carmel Snow）在茫茫人海中发现了这位体育摄影师兼摄影记者出身的艺术家，并说服他为12月的泳装特刊拍摄一组照片。

卡梅尔·斯诺引导芒卡西延续以往动态、自然的摄影风格，让模特露西尔·布罗考（Lucile Brokaw）在长岛的沙滩上自由奔跑，一改早前模特们端庄的形象，转而将瞬间的动感与鲜活永恒定格。这也是时尚摄影历史上第一张动作镜头照片，具有开创性的意义。这张照片不仅震撼了当时的时尚界，也深深影响了后来的摄影师，曾被评价为“第一次发现摄影能够捕捉生命的力量”。

1933年12月刊

就这样，《时尚芭莎》再一次颠覆了当时的时尚摄影规则，将生命最真实的律动引入摄影，从此，让时尚摄影走出了影棚，走向更为开阔的海滩、田野和山间，也走向更为广阔而丰盛的世界。时尚开始在风中呼吸。

两年后，第一张裸身照片出现在《时尚芭莎》中——同样出自这位“转行”的摄影师之手——性感大胆，肆意张扬，仿佛隔着松脆的纸张，都能嗅到阳光下蒸腾的水汽，那是属于生命的气息。

1935年

或许正如《时尚芭莎》前美版主编格兰达·贝利（Glenda Bailey）所说：“时尚最伟大的时刻，永远是下一个。”150年间，《时尚芭莎》一直是这些时刻的创造者——通过不断挖掘摄影师并与之展开全新的合作，芭莎推动了无数经典作品的诞生，一次又一次探索着时尚与艺术的边界。在芭莎的镜头下，有些标准、传统和思想，屡次被颠覆，始终在革新。

1936年，《时尚芭莎》邀请美国达达主义和超现实主义的传奇艺术家曼·雷（Man Ray）创作，这位对艺术颇具追求与执着的摄影师，被准许以他独特的风格与审美拍摄。于是，一系列具有实验性的先锋作品得以诞生。

比如夸张的红唇、完美的泪珠，这些寻常的意象被割裂、变形或省略，一反逻辑与常态，看似错乱地呈现，但却带来视觉的冲击，大胆又前卫。与芭莎的合作，让曼·雷开始运用特殊的技法来进行艺术的探索，也为后人开辟了时尚摄影的全新领域。

同年，《时尚芭莎》正式聘用刚过40岁的路易斯·达尔-沃尔夫（Louise Dahl-Wolfe）为杂志拍摄，这也是芭莎历史上首位女性摄影师。她的作品以色彩和对自然光的运用而闻名，为时尚摄影带来了一种新鲜的自然主义——要知道，此前的时尚摄影一直被僵硬而傲慢的“欧洲”或“德国”工作室风格所主导。

时任芭莎时尚编辑的戴安娜·弗里兰（Diana Vreeland）极富创意与想象力，她的理念也带给沃尔夫多方位的创作视角，镜头下的模特仿佛自然抓拍，不经意间闯入，并且永远有着“干净的头发、闪亮的皮肤和既轻盈又结实的身材”。这位时尚界“女性视角”的先驱，用自己对颜色极强的敏感度与掌控力，为时尚摄影增添了亮色与活力，塑造了坚强、独立的美国女性新形象。

就这样，进入20世纪中期，《时尚芭莎》的目光逐渐投射到更为人性化的领域，其摄影作品也多强调真实与情感之美。这一时期，芭莎御用时尚摄影师理查德·阿维顿（Richard Avedon）拍摄了一组名为《多维玛与大象》的照片。其中，身着Dior时装、身材曼妙的模特与两头巨大的大象站在一起，强烈的对比让人过目不忘。在此次与芭莎的合作中，模特不再只是时装的展示者，亦是故事的讲述者。由此，芭莎让时尚摄影从“看衣”，转变为“看人”。

这位21岁便被芭莎发掘并培养的摄影师，日后拍出了诸多令人印象深刻的封面，比如1959年9月，他曾以电影叙事为表现手法，为奥黛丽·赫本拍摄了一组名为“Paris Pursuit”的时装大片，拍下了一个时代的时尚风貌。而他那一套天马行空又不失叙述感的创作模式让一众顶级摄影师争相模仿、学习，并沿用至今。

1959年9月刊

1962年，另一位摄影记者出身的艺术家弗兰克·霍瓦特（Frank Horvat）同样被《时尚芭莎》发掘，受邀拍摄了一组来自街头的照片。霍瓦特引入了新闻摄影的手法，将模特拉到地铁口、酒吧内、市场里……以人群为背景，通过独特的视角捕捉模特刹那间的自然神情。在他的作品中，时尚不再冰冷、高高在上，而是充满了细节和烟火气。

1962年2月刊

而在其与芭莎合作的众多大片中，一组名为“Umbrella Color”的尤为引人注目。因不小心使用了一盏闪光灯，他意外拍出了彩色雨伞背后一抹朦胧柔美的女性姿态，赋予了时尚摄影创新的格调。

1967年

也是同一时期，另一位颇受达利影响的摄影师梅尔文·索科尔斯基（Melvin Sokolsky）极为大胆地拍摄了“Bubble”系列照片。模特置身在一个巨大的透明气泡中，“漂浮”在巴黎的城市上空，极具超现实感。索科尔斯基的灵感来自于俄罗斯的法贝热彩蛋——不过他褪去了彩蛋外壳上华丽的装饰物，转而用极简、充满未来感的塑料取代了常用的白珐琅。这组照片也成为了芭莎跨时代的象征。

1963年

进入黄金般的20世纪90年代，《时尚芭莎》与时尚摄影师们的合作步履不停。以黑白影像著称的彼得·林德伯格（Peter Lindbergh)）的镜头下，超模们横空出世，扮演坠入凡间、游荡街头的天使；18岁的凯特·莫斯（Kate Moss）首次登上杂志封面，野性而不失天真的脸庞与红色缎面礼服相映成趣，手捧水晶球的经典造型直到今天依然被复刻翻拍……

1992年12月刊

从超现实主义及实验性摄影，到女性主义与现代多元探索，《时尚芭莎》总是伸展着多方的触角，与不同的时尚摄影师合作，一方面恳切地延续着杂志的艺术基因，另一方面又通过影像艺术探讨时尚与身份、文化乃至社会的关联。

直到今天，《时尚芭莎》的镜头已经穿越了百年的光影长河。它曾是新职业的催生者，是艺术家的庇护所，如今又成为时尚与人文交锋的前哨。那些定格在纸张上的面庞和衣角，唇印或泪滴，何尝不是人类对于所谓“美”永恒的诘问与作答？

当翻看过往种种时尚摄影师们的创作，人们也许会忽然发现，每一张照片都像是一面棱镜，折射着一个时代最炽热的渴望与最自由的遐想。而《时尚芭莎》，始终是棱镜中那束不肯熄灭的光。